23 апреля – 28 июня 2025
Света Исаева

JOY GALLERY совместно с NO REGRETS открывает выставку
СИСТЕМА. ПАПОРОТНИК, на которой представит работы Светы Исаевой. В новой серии работ Светы Исаевой «Система. Папоротник» живопись становится территорией ризомы — нелинейной, множественной, лишенной центра. Как в философских концепциях Жиля Делёза и Феликса Гваттари, ризома здесь не просто метафора, а способ мышления, где каждый элемент связан с другим, но не подчиняется иерархии. Папоротник, с его ветвящейся структурой, превращается в визуальную модель мира, в которой нет начала и конца, а есть лишь бесконечные вариации связей. Живопись Исаевой — это не статичные изображения, а «события», в которых форма постоянно ускользает от фиксации, предлагая зрителю войти в процесс бесконечного чтения. Папоротник здесь — не просто растение, а «гибридный объект», существующий на границе абстрактного, естественного и искусственного. Название выставки – абсурд или ошибка, в которой скрыта отсылка к серии Юрия Злотникова «Сигнальная система», а также размышление на тему современной живописи и места картины в целом. Где может оказаться живопись в итоге - на выставке, в музее, в коллекции, в ресторане или даже дома «между двух папоротников» *?

* серия работ F (Между двух папоротников) Давида Островски.

«Атласные букеты белого цвета и тонкие прутья рубина
окружают водяную розу.» — Артюр Рембо, 1872 г.

10 апреля – 25 мая 2025
Элен Метревели, Александр Козлов, Андрей Ковязин, Наталья
Чобанян, Вера Кадурина, Адель Левитова, Полина Францева, Рубен
Монахов, Даша Сурма, Турбен, Mary Inkova Ljós
Куратор Эмилия Аскерова

JOY GALLERY представляет групповую выставку современных художников «Что говорят поэту о цветах?». Название отсылает к стихотворению французского поэта-символиста Артюра Рембо. Известный своими новаторскими подходами к поэзии и яркими образами, он часто использует цветы как символы в своих произведениях. Одним из центральных примеров флорообразности в творчестве Рембо является поэма «Что говорят поэту о цветах?» («Ce qu'on dit au poète à propos de fleurs», 1871). Фитонимы, которые распределены по всем пяти главам поэмы, ‒ не просто флорообразы: это фигуры, посредством которых Рембо выражает свое представление о том, что для него значит то самое — «по-новому».

Флорообразы поэмы Рембо «Что говорят поэту о цветах?» помимо важнейшей иносказательной роли передают концептуально важную идею искусства того времени. Они говорят о «цветах новой риторики», «новых цветах» – о новом подходе к передаче образа в целом. В какой-то степени Рембо подхватывает идею Бодлера о «цветах зла», то есть об иной, субъективно-ассоциативной риторике, о риторике «сверхнатурализма» («surnaturalisme»), выводящего флорообраз за рамки существующей реальности. За каждым из этих «цветов», имеющих первоначальный коннотативный фундамент, должна открываться бесконечная анфилада значений, позволяющая интерпретатору додумывать каждый образ согласно своим ассоциативным возможностям, а не оставаться в рамках определенных семантических ограничений.

Здесь возникает общая поэтичная линия с современным искусством, где каждый из художников находит свою траекторию передачи образа в целом. Сегодня в искусстве продолжаются поиски «нового» языка, находя воплощение в различных медиумах и формах. Цветы, как символ абсолютной красоты, возрождения, процветания, изображались на полотнах художников на протяжении многих веков, и современное искусство – не исключение.

Выставка «Что говорят поэту о цветах?» исследует многогранную и изменчивую символику цветов и растений в искусстве, отражая как культурные, так и личные значения. Каждая из работ по-своему рассказывает о цветочном мотиве в искусстве, истории и культуре от прошлого до настоящего. Оммаж голландскому натюрморту, работа органами чувств и восприятия, передача глубоких эмоций и тайн сквозь образ цветка – в тематических разделах исследуется выражение этой темы в различных культурных контекстах, а формат произведений варьируется от масштабных живописных полотен до цианотипий, мозаики, скульптуры и объектов, созданных с помощью 3D печати, стекла и металла.

нежно проводить пальцами по волосам того, кого ты любишь

8 февраля – 31 марта 2025
Екатерина Богданкова, Александра Пацаманюк
Куратор Анна Заведий
Композитор Константин Чистяков

CAFUNÉ - это выставка об образах человеческой близости, передаваемых через отношения цвета и статичные умиротворенные композиции. Диалог двух художниц, созданный куратором в пространстве галереи, создает атмосферу интимности, где любовный жест становится осязаемым и обретает форму. Этот жест важен тут сам по себе, напоминая о тактильной бесцельности и бесцельной тактильности любви.

Куратор выставки Анна Заведий:

«В серии Екатерины Богданковой «вдвоем» мы видим бесконечное объятие двух фигур. Они заполняют весь холст: руки, головы, пальцы, плечи превращены в места больше, чем в части тел. Это места плотности, места остановки нашего взгляда и умиротворения. Мы видим и даже чувствуем, как идеально голова лежит в руке, как плечо заполняет холст своим движением, готовым к объятию. Каждый жест завершен, изображение герметично: руки покоятся, глаза закрыты. Серия «вдвоем» уточняется живописной серией «миг». Это моменты повседневной жизни. Все изображения - это автопортреты, случайные сцены: почесаться, поправить макияж, залипнуть в телефоне. У зрителя нет контакта с героиней - она находится в паузе между действиями - в моменте без цели. Бесцельность служит приемом и основой представленных работ. Парателическая суть любви, парателическая суть момента - вот к чему сводится живопись Екатерины Богданковой.

Хрустальные гребни Александры Пацаманюк дополняют повествование. Они как застывшие жесты любви, проявленной через cafuné (понятие из бразильского португальского, означающее - нежно проводить пальцами по волосам того, кого ты любишь)».

На выставке представлена живопись Екатерины Богданковой и хрустальные объекты Александры Пацаманюк.

3 октября – 3 ноября 2024
Егор Щаблыкин
Куратор Анна Никифорова

Живописная фактура места долгое время сохраняет следы человеческого присутствия, обретает индивидуальность, но становится незаметной взгляду декорацией. Находясь в зацикленном ритме, человек редко наблюдает красоту обыденной жизни. Однако именно особенности нашей повседневности лучше всего отражают влияние поколений, формируя особое восприятия действительности.

Егор Щаблыкин исследует сложноустроенный мир образов постсоветского пространства. Разбирая локальные истории, он создает капсулы времени, фиксируя момент, состояние или ощущение. Предметом любования автор выбирает красоту обрушения, коррозии, изменения территории и объекта, потерявших свою первоначальную функцию, под воздействием внешних или внутренних факторов.

Бережно перерабатывая свои находки, художник создает Заповедник, в котором запечатлен мир в процессе трансформации. Переведенные в художественную реальность наблюдения о бытности России, демонстрируют археологические находки, что скрывались в культурном слое страны.

Представленные на выставке работы повествуют о чем-то уходящем или вовсе утраченном. Автор старается раскрыть смысловую многослойность встреченных явлений и создает особую магическую реальность, в которой образы, знакомые каждому, несут в себе дух ностальгии о минувшем, но все еще прекрасном. Это история взросления – детства, юности, молодости, сохраненная в живописи.

Используя радость узнавания, Егор Щаблыкин вступает в диалог со зрителем, задает вопросы и иронизирует, предлагая наблюдателю, больше не оставлять без внимания окружающий его мир.

7 сентября – 24 сентября 2024
Катя Филинская
Куратор Сюзанна Валеева
При участии Фонда поддержки современного искусства ART coordinate

Эдем — архетипическое-библейское начало человечества. Сад плотно окружал Адама и Еву, как их изначальный дом, будучи чисто природным, нерукотворным. Слово «Эдем» израэлиты сближали со словом е’den — «наслаждение». Это важно для понимания сущности этого мифа, который, в большей мере, остается для нас «вещью в себе», так как помыслить жизнь до грехопадения, а именно без смерти, где всё едино и находится в идеальной гармонии. Райский Сад — это попытки вообразить начало человечества в докризисную, добытийную, вневременную историю. Даже историю до истории. Мир до гигантской духовной трещины.
Я не ставлю своей задачей «разгадать» райский сад, описать его, составить карту и план и по этой вымеренной фабуле выстроить выставку. Моей задачей скорее является походить «вокруг» тайны Эдема, меня притягивает априорная невозможность его постижения. И слово «тайна», я мыслю себе как важное, потому что такие бытийные вопросы остаются тайной, но одно к ним вопрошание – это уже достаточный феномен для человека. Выставка родилась из конфликта идеального и реального, а так же возможности помыслить «возвращение» в райский сад, а вместе с тем в удивительное пространство невозможной, но желанной гармонии.
И это философская история о том, что отделяет человека сейчас от этого возвращения? Может ли человечество вернуться «домой»? И вообще хочется отождествить Райский сад с идеей «дома». Я не имею представления об абсолюте дома, я не могу помыслить райский сад, но он и дом – нечто очень близкое и неистово желанное. И эта выставка о возможном пути возвращения домой.

«Рай существует не только в воспоминании человека и в мечте и в творческом воображении человека. Рай в природе сохранился в ее красоте, в солнечном свете, в мерцающих в ясную ночь звездах, в голубом небе, в незапятнанных вершинах снеговых гор, в морях и реках, в лесу и хлебном поле, в драгоценных камнях и цветах и в красоте убранстве мира животного», - Николай Бердяев.

12 июля – 15 сентября 2024
Александр Дашевский, Михаил Иванов, Света Исаева, Максим Савва, Максим Има, Рубен Монахов, Турбен, Илья Овсянников, Евгений Казекин, Анастасия Андреичева
Куратор Александр Дашевский

«Рай для визуальных сладкоежек», в котором два десятка работ — живопись, графика, керамика, фотография и предметный дизайн — объединятся во всегда зеленый и озаренный солнцем сад. Среди авторов: Турбен и Максим Има — художники из объединения 10.203, завсегдатай петербургских коллекционеров Максим Савва, апологет сенсорного искусства и «трэш-барокко» Света Исаева, Рубен Монахов — создатель «Негосударственного нерусского музея», а также художник из круга Шемякина Михаил Иванов, работы которого находятся в постоянной коллекции Русского музея, в арт-центре «Борей», «Эрарте» и многих других собраниях. В рамках проекта также подготовлен сюрприз, продолжающий кураторский сторителлинг — в кафе при галерее выставят работы детей художников.